My work gives form to illusions that hesitate between appearing and disappearing.
Through painting, drawing, and sculpture, I create images and figures that hold intimacy and memory close to everyday life, opening a space where presence and imagination remain in suspension.
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ARTIST STATEMENT ​
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My practice explores the tension between appearance and essence, reality and illusion, between classical symbolism and contemporary imagination. Irony and subversion become ways to challenge monumentality and delicacy.
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In my Deceitful figures series, sculpture becomes an illusion: the works appear three-dimensional but are, in fact, flat. Layers of pigment-painted paper are torn, reassembled, and composed through chiaroscuro to model form and simulate volume. These fragile surfaces recall classical reliefs and time-worn frescoes, yet they are made from ephemeral materials—paper, wood, ceramic—suggesting that monumentality is only a mirage and that time is not linear, but fluid, unstable, and continuously rewritten.
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This visual deception is not intended to diminish the past. On the contrary, it reflects my connection to my Italian roots and to the memory of classical sculpture, by which I am deeply fascinated. That memory is filtered and reimagined through my own gaze, within a present in constant transformation—one in which the fluidity of time dissolves clear boundaries between past and present, allowing tradition and contemporary experience to remain in continuous dialogue.
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My sculptures reference the sensitivity of ancient preparatory cartoons and the composure of Fayum portraits, yet they also inhabit a more intimate world and a personal visual memory. The female presence is central: austere busts are disrupted by ruffles, ornaments, and small everyday objects—lipsticks, tempting fruits, perfumes, cigarettes. My faces wink and flirt with pop seduction, while the objects that accompany them are transformed into contemporary relics—symbolic fetishes suspended between the sacred and the profane.
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Motherhood has introduced a renewed sense of play into my practice. Like the paper dolls of my childhood, my figures invite imagination, customization, and interaction. This playful dimension extends to the viewer, encouraging a slower, more tactile engagement with the work.
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My research moves between two and three dimensions. Alongside optical illusions on paper, I create fully sculpted ceramic works that amplify symbolic and surreal elements. In Fed by the Stars, a female figure rests between dream and matter, recalling votive busts and classical iconography. Movable stars invite touch and participation, while ornamental details introduce ambiguity—where enchantment, doubt, and transformation coexist.
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Living in New York, within a fast and saturated visual environment, my work moves in the opposite direction. It slows down, layers meaning, and suggests rather than declares. At the same time, I am aware that today much of our experience of art—and sculpture in particular—is mediated through photography, often reduced to a single point of view. This way of seeing influences how sculpture is perceived, sometimes flattening it into a frontal image. My works are conceived to function from a privileged perspective, questioning the idea of three-dimensionality and inviting viewers to reflect on what they see and how they see it.
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I like to give form to what is constantly changing. I embrace ambiguity, incompletion, and play, believing that enchantment lies in the possibility of transformation.
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BIO
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Verdiana Patacchini (Virdi) is a New York–based artist, born and raised in Italy in the Tuscia region and now a naturalized American, whose practice spans painting, sculpture, and ceramics, engaging with themes of illusion, material fragility, ornament, and collective memory.
She holds a BFA in Painting and an MFA in Contemporary Art Heritage from the Accademia di Belle Arti of Via Ripetta in Rome.
Her work has been exhibited internationally at galleries and institutions including the Consulate General of Italy in New York, Central Park Tower, Kristen Lorello Gallery, Room 57 Gallery, and Hollis Taggart Downtown. Her work was reviewed by The Wall Street Journal as a highlight of Future Fair 2023.
She was a finalist of the 2023 Italian Tri-State Art Prize, awarded by the Italian Cultural Institute of New York under a committee led by Massimiliano Gioni. She currently teaches painting at 92NY and works from her studio at Mana Contemporary.
TESTO DELL'ARTISTA
Il mio lavoro esplora la tensione tra apparenza ed essenza, realtà e illusione, simbolismo classico e immaginazione contemporanea.
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La materia, la sua trasformazione, l’ironia e la sovversione diventano strumenti per interrogare la fluidità del tempo, la delicatezza e l’ambiguità. Il soggetto nasce da un pretesto.
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Nella serie Figure Bugiarde, la monumentalità è un miraggio. Le opere appaiono tridimensionali, ma sono in realtà piatte: strati di carta dipinta con pigmenti vengono strappati e riassemblati per costruire la forma attraverso il chiaroscuro. La fragilità della materia mette così in discussione la solidità della scultura e la sua pretesa di permanenza.
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Le mie radici italiane e il rapporto con la scultura classica, i cartoni preparatori e la compostezza dei ritratti del Fayum sono il mio spazio di fascinazione. Sono per me immagini legate ad una memoria che cerco di alterare e ricostruire: una falsificazione di una archeologia dove tutto può mutare o bluffare - come la mia contaminazione tra pittura e scultura.
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La presenza femminile è centrale; qui ritrovo una intimità. Busti dalle pose austere sono interrotti da balze, ornamenti e piccoli oggetti quotidiani — rossetti, frutti tentatori, profumi, sigarette. I volti ammiccano e flirtano con la seduzione pop, mentre questi oggetti diventano reliquie contemporanee, feticci sospesi tra sacro e profano.
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Con la maternità è entrata nella mia pratica una dimensione più ludica, le ritrovo un legame alle bambole di carta della mia infanzia. Le opere invitano all’immaginazione e all’interazione, proponendo un rapporto più lento, giocoso e tattile con l’opera.
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Vivo a New York, immersa in un linguaggio visivo rapido e saturo, ma il mio lavoro si muove nella direzione opposta: rallenta, suggerisce, sussurra. In un presente di immagine che scorrono velocemente, anche l'esperienza della fotografia, che spesso determina il modo in cui incontriamo la scultura, diventa parte di questa riflessione. Le mie opere giocano con una prospettiva privilegiata, mettendo in discussione ciò che vediamo e il modo in cui lo vediamo.
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Mi interessano immagini che affiorano e scompaiono, lasciando spazio all’incertezza e all’incanto. Il mio lavoro vive dentro ciò che è instabile, mutevole e, in fondo, contraddittorio.
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BIO
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Verdiana Patacchini (Virdi) è un’artista italiana, naturalizzata americana. La sua pratica attraversa pittura, scultura e ceramica, indagando i temi dell’illusione, della fragilità materica, dell’ornamento e della memoria collettiva.
È nata e cresciuta nella regione della Tuscia ed è oggi residente a New York City. Ha conseguito un diploma in Pittura e un Master in Valorizzazione e Conservazione del Patrimonio Artistico Contemporaneo presso l’Accademia di Belle Arti di Via di Ripetta di Roma.
Il suo lavoro è stato esposto in ambito internazionale in gallerie e istituzioni tra cui il Consolato Generale d’Italia a New York, Central Park Tower, Kristen Lorello Gallery, Room 57 Gallery e Holllis Taggart Downtown.
Nel 2023 The Wall Street Journal ha recensito il suo lavoro come uno dei highlight di Future Fair.
È tra i vincitori del Tri-State Art Prize 2023, promosso dall’Istituto Italiano di Cultura di New York sotto la guida di una commissione presieduta da Massimiliano Gioni. Attualmente insegna workshop di pittura e murales su maiolica presso il 92NY e lavora nel suo studio a Mana Contemporary.